Pablo Awad

Hoy Ableton anunció Live 13. Sale a comienzos de 2027. Incluye un nuevo step sequencer, compatibilidad con plugins ARA 2 y un nuevo drum synth con más de 20 tipos de síntesis.

Ahora se pueden capturar automatizaciones después de hacerlas y ver los efectos de cada track en el mixer. Tiene un navegador compacto en la vista de dispositivos, los macros ahora pueden ser botones on/off y asignarse arrastrando.

También tiene nuevos racks multibanda y mid-side, transient shaper, clipper y compresores hechos por Softube. Esta versión se ve increíble.

Estoy estrenando una nueva página de packs, con las colecciones de samples y presets para Ableton Live organizadas en un solo lugar. Hay varios packs de efectos de audio gratis y colecciones recientes, como la de presets para Wavetable. ¡Échenle un ojo!

Estas son algunas ideas para hacer más eficiente la etapa de arreglo y terminar tracks en Ableton Live.

Nombrar los tracks al crearlos ahorra tiempo en el futuro. Usar nombres descriptivos como “Bajo” o “Pad” ayuda a encontrar rápido tracks en sesiones grandes. Asignar el color de pista a los clips y tratar de usar los mismos colores en otros tracks.

Trabajar por secciones. Aprovechar la subdivisión de la rejilla en 8/1 y 16/1 para ver las secciones del track y si están ocurriendo cambios para mantener la canción interesante. Usar CMD+1 para subdividir el grid.

Aprovechar los comandos CMD+Shift+D para duplicar secciones y CMD+Shift+Delete para borrar secciones completas. A veces es mejor eliminar secciones completas.

Usar localizadores para diferenciar las secciones claves del track como “Break” y “Drop”. Esto sirve para navegar más rápido y visualizar la estructura del track. Importar un track de referencia puede ser útil para comparar el proyecto con estructuras terminadas.

La etapa de arrangement es un proceso que es necesario practicar con frecuencia. Esa es la clave para lograr convertir ideas musicales en tracks terminados. Si quieres trabajar el arreglo de tus propios tracks con acompañamiento, revisa los cursos de producción.

Acabo de subir un pack de presets para Wavetable, el sintetizador que viene incluido en Ableton Live. Son sonidos que he ido diseñando para mis propios tracks. Ahora los pueden usar en sus producciones.

El pack trae de todo un poco: stabs y plucks (Alienstab, Amberstab, Decoder Pluck), acordes con textura (Velorum, Presolar, Thermal y Code Chords), bajos y FM leads (Decodex Acid, Badcircuit, Robot FM, Muted Saw) y pads (Spacedust, Aurawarp, Aurafold, Ambient Pad).

En Iridium EP utilice varios de los presets de este pack. La mayoría de los efectos de sonido y FM fueron hechos con Wavetable. Como todos los presets están hechos solo con Wavetable, no se necesitan plugins externos. Solo cargar el preset y listo. Funciona con Ableton Live 11 en adelante. Lo encuentran en la página de Packs.

Un estudio de producción musical está en constante evolución. Crece, cambia, se desgasta. Es clave optimizarlo y eliminar los obstáculos para que hacer música sea un proceso intuitivo. Estas son las rutinas de mantenimiento de mi estudio.

Reviso que todos los instrumentos y efectos externos estén funcionando y conectados con los presets de External Instrument bien configurados. Para que cuando quiera usarlos solo sea insertarlos en el track y listo.

Vale la pena pensar dónde está cada sintetizador en el control room. Reubico los que más me gustan en zonas de fácil acceso para que usarlos sea rápido. Mantengo conectados únicamente los sintetizadores y efectos que realmente utilizo. De vez en cuando considero vender lo que no uso y arreglar o eliminar lo que no funciona. Un cable dañado es lo peor.

Abro todos los plugin managers (SSL Download Manager, iZotope Product Portal, Softube Central, etc) para actualizar los instrumentos y efectos a las versiones mas recientes. Es un proceso aburrido pero necesario. También desinstalo los VSTs que nunca uso para mantener mi librería compacta y más fácil de navegar. Más creatividad y menos distracción.

Es útil tener una caja de herramientas para guardar y organizar adaptadores TS y TRS, cables, tornillos y cosas pequeñas. Este consejo lo lei alguna vez en Tape Op.

Si tu estudio es un portátil y una interfaz es esencial mantener el software ordenado, actualizado y depurar los instrumentos y efectos. El mantenimiento reduce los obstáculos para hacer música. ¿Cuál es tu rutina de mantenimiento? Envía un mensaje.

Decidí buscar un controlador diferente para tocar en vivo con Ableton Live. El Push 2 es excelente para producir pero en vivo tenía que cambiar de track cada vez que quería controlar un sonido con los encoders. Un paso extra que quita mucho tiempo en un live act.

Estaba entre el Novation Launch Control XL y el Allen & Heath Xone K2. Conseguí el Launch Control MK2 usado, en excelente estado. Lo he probado armando un par de sets y ensayando con Acid Unit.

Me ha parecido excelente. Es liviano pero los faders se sienten sólidos y con buena resistencia. No se sienten de juguete. Tiene gran cantidad de perillas y se ve rápidamente dónde está cada parámetro sin menús ni pantallas. Se conecta con un solo cable. Es compacto pero ofrece mucho control.

Este es el controlador MIDI que estoy usando para tocar con Acid Unit. Fue el que utilicé en la grabación de todos los tracks de nuestro EP reciente Orbitac.

Estas son algunas newsletters interesantes sobre música electrónica y producción musical a las que estoy suscrito:

• Four Things: Martyn 3024 comparte cuatro cosas interesantes en cada edición. Bastante esporádica.
• zensounds: Sobre ambient y música experimental. Escrita por Stephan Kunze.
• Infinite Speeds: Ensayos sobre música electronica y selecciones de tracks.
• Modulations: Nick Lewis escribe sobre Ableton, plugins y hardware.
• First Floor: Sobre música electrónica y su cultura. Escrita por Shawn Reynaldo.
• Sound Methods: Procesos creativos detrás de los sonidos. Publicada por Andrew Tasselmyer.
• The Imperfect: Diarios, sonidos y procesos del estudio de Taylor Deupree.

¿Cuál otra newsletter recomiendan? Me cuentan.

Actualizar plugins se volvió un proceso interminable. Para instalar actualizaciones es necesario abrir múltiples product managers cada uno por separado. En este momento tengo instalados estos: SSL Download Manager, iZotope Product Portal, Softube Central, Native Access, Spitfire Audio, iLok License Manager, IK Product Manager y Reason Companion. Son demasiados.

Cada uno funciona diferente y en lugar de agilizar el proceso lo complican. Parece que no hay otra alternativa. La única solución que se me ocurre es reducir mi colección a los plugins realmente necesarios y desinstalar el resto.

Desde hace un tiempo he estado probando Serum 2. Qué gran sintetizador. Suena increíble. Ahora incluye tres osciladores y cada uno puede funcionar en modo: wavetable, sample, multisample, granular y spectral. También tiene un nuevo arpegiador y secuenciador y el banco de presets es excelente. Eso sí, hay algunos pads que totean mi CPU. Serum 2 es un update gratuito para usuarios de la primera versión.

Con Serum 2 hice los basslines y algunos de los efectos de sonido FM de mi reciente EP Decodex. En el primer track Onset se pueden escuchar:

Hay toneladas de plugins gratuitos. Estos son algunos que me parecen muy buenos y uso con frecuencia para producir mis tracks.

• Vital: Es increíble que sea gratis. Es un excelente sintetizador Wavetable. Suena muy nítido y la interfaz es moderna y rápida de usar.
• Supermassive: No puedo creer que sea un plugin gratis. Un reverb y delay muy bueno para diseño sonoro y para crear efectos especiales. También tiene unas reverbs cristalinas.
• Wider: Stereo enhancer de Polyverse. Amplia la imagen estéreo sin lios de fase. Suena grande.
• Pressure4: Pressure es un compresor excelente. Puede ser sutil y comprimir cálidamente y también super aplastar el audio. Una joya de Airwindows.
• LABS: Colección de 60 instrumentos gratuitos de Spitfire Audio. Ahora decidieron cobrar suscripción. Lástima.
• BBC Symphony Orchestra Discover: Otro plugin de Spitfire Audio. Toda una orquesta sinfónica de 34 instrumentos en un solo plugin.
• Hysteresis: Un extraño delay de Glitchmachines ideal para generar glitches, ruidos y mutaciones sonoras.
• Magic Switch: El legendario chorus del Juno en un compacto efecto desarrollado por Baby Audio. Suena excelente.

¿Que otro plugin gratuito recomiendan? ¿Cual han estado ensayando últimamente? Me cuentan.

Componer melodías interesantes no me parece fácil. A veces las melodías más simples son las más difíciles de crear. Muchas veces compongo las melodías en el piano roll de Live. Pintándolas con el lápiz o también grabándolas desde Push. Pero cuando estoy bloqueado y no se me ocurre nada, hay algunas herramientas y métodos que utilizo para generar ideas.

A veces empiezo con unos acordes y un arpegiador. Cuando encuentro algo que me gusta entonces capturo el MIDI grabándolo en otro track. Así lo puedo conservar, modificar y hacerlo menos repetitivo duplicando el loop y haciendo variaciones. Para esto sirve el arpegiador genérico de Live, el ARP de Max for Live o incluso un plugin más completo como Cthulhu. Cualquiera sirve.

Otro método para generar ideas es con dos secuenciadores que me gustan mucho. El Mono Sequencer y el clásico Rozzer Step Sequencer. El mono sequencer de Max for Live es útil para generar melodías aleatorias en la escala del track. Rozzer, que es un dispositivo gratuito sigue siendo bueno para generar patrones.

Después de usar estos secuenciadores siempre los desactivo, los dejo en el track por si acaso y también grabo el MIDI en un clip. A veces me ha pasado que por no grabar el MIDI y dejarlo en el secuenciador desaparece al abrir el set un día diferente.

Encontrar melodías es una búsqueda. A veces encuentro las notas ideales rápido pero a veces me toma más tiempo buscando la melodía ideal. Depende del track y mi estado de ánimo. Lo bueno es que estas técnicas generan ideas que jamás hubiera pensado y a veces son justo lo que estaba buscando.

Ayer estuve viendo el Push 3 standalone durante uno de los cursos de producción musical con Live.

Es tremendo instrumento. Se siente pesado y solido. Es un poco mas ancho y largo que el Push 2, pero la diferencia no es mucha. Los cambios de ubicación de los botones al principio me desorientaron. Reemplazaron los textos de algunos botones por iconos, pero después de un rato de uso fue fácil ajustarse al nuevo layout.

Los pads me parecieron muy suaves, con una sensibilidad increíble. Al tocar instrumentos MPE (Expresión polifónica MIDI) es evidente el control detallado y la expresividad que esta tecnología permite. La rejilla de pads ahora tiene un fondo blanco y los pads tienen un led que ilumina mas el centro. En el Push 2 los pads tienen una iluminación mas uniforme.

La nueva rueda o jogwheel es una gran adición a la navegación. Hace mucho mas fácil y rápido moverse entre presets y entre las notas musicales de un clip. Lástima que el Push 2 no la tenga.

Me pareció que los encoders tienen una sensación diferente los del anterior Push. Quizás son un poco mas suaves. El botón de sustitución dinámica es genial, muy útil para audicionar y cambiar presets. Insertar tracks y dispositivos se siente rápido, no híper veloz, pero tampoco lento como leí en algunas reseñas.

Push 3 tiene una interfaz de audio integrada con dos entradas y dos salidas TRS que se pueden expandir hasta 10 entradas y 12 salidas por ADAT. Para ensayar la grabación, conecté mi vieja guitarra eléctrica. El nivel y el tipo de entrada (línea o instrumento) se ajusta en la pestaña audio del menú de configuración. Al principio no encontré dónde ajustarlo. La grabación de audio funciona como se realiza en la vista de sesión.

Este Push puede volverse el centro de un estudio de producción musical sin PC, aunque en este momento le hace falta la capacidad de cargar plug-ins VST y de editar tracks en la vista arrangement. Pero estas son características que Ableton puede desarrollar y lanzar en próximas actualizaciones de firmware.

Push 3 standalone es un producto increíble, con una fabricación impecable. Muy útil para personas que toquen en vivo con frecuencia. Tiene un precio bastante elevado USD 1999, pero permite hacer música con Live en cualquier lugar, sin que sea necesario empacar y conectar un computador o una interfaz de audio.

Estos son los plugins que estoy usando con mas frecuencia para producir en Live:

• Model 84: este VST de Softube suena increíble. Una gran emulación del Roland Juno.
• Serum: Tiene que estar en esta lista. Sigue siendo uno de los mejores sintetizadores Wavetable. Su unísono suena como ninguno.
• iZotope Ozone: Sigue siendo clave para masterizar.
• Echoboy Jr: Este delay suena excelente y su interfaz es rápida de usar. Gran plugin de SoundToys.
• Valhalla Supermassive: No hay otro efecto de audio que suene igual. Excelente delay / reverb espacial. Y además es gratis!
• Valhalla VintageVerb: Es una reverb clave. Suena grande y muy bien.
• Wider: esta herramienta de Polyverse es genial para ampliar el estéreo y hacer sonar los sintetizadores y pads más grandes.

Aquí hay una lista de plugins gratuitos recomendados. ¿Qué plugins están usando más últimamente? ¿Cuáles son sus favoritos? Me cuentan por mensaje. Hasta la próxima! 🙌

Mezclar un track es un arte y una habilidad que requiere una práctica constante. Estas son algunas ideas y técnicas que utilizo en mi estudio para mejorar el sonido de una mezcla.

Para que los instrumentos puedan sonar con más claridad en una mezcla se pueden abrir espacios de tiempo acortando lo más posible los sonidos y samples. Buena edición mejora una mezcla. Con kicks cortos se puede obtener un mejor mix. Es necesario que haya espacio entre kicks y sub-bajos. Cuando los bombos son demasiado largos solo producen un hum en el subwoofer. Ensucian la mezcla. Los kicks se pueden acortar en arrangement o más fácil aun en Simpler.

Algunas veces los problemas de mezcla no se arreglan con ecualización, compresión o efectos. Tienen una solución mas simple: balance. Antes de empezar a agregar efectos para mejorar el sonido de un instrumento es mejor revisar y ajustar el volumen del track.

En sesiones de mezcla es buena idea refrescar los oídos haciendo breaks y escuchando música de diferentes géneros. Los descansos sirven para resetear la memoria auditiva, comparar y escuchar otras perspectivas de mezcla para que después sean evidentes los errores y ajustes que son necesarios. Al dividir las sesiones de mezcla en varios días, se pueden escuchar nuevos detalles que es necesario ajustar. Son evidentes. El ride está muy alto, el beat podría parar antes, el synth necesita más reverb, etc… Solo es necesario llegar al control room con un par de oídos nuevos.

En el balance de una mezcla no hay reglas. Uno decide que esta bien o qué esta mal. Cuando los sonidos se sienten bien entonces están en el nivel indicado. Incluso 1dB de volumen hace la diferencia. Lo más importante de una mezcla es que suene interesante. Que sea emocionante y que den ganas de volverla a escuchar.

Si te interesa aprender más técnicas de mezcla en los cursos de producción musical, escríbeme para reservar tu horario.

Estos son algunos de mis efectos Max for Live favoritos de este año.

• MSE El MSE de Max for Cats tiene que estar en esta selección. Inspirado en un viejo sintetizador Oberheim del 1975. Una maravilla.
• Renumber scenes Pequeña y práctica herramienta creada por Dennis DeSantis. Su propósito es muy simple: renombra en orden las escenas de la vista de sesión.
• Crap Cassette. Crap Cassette de SES Devices emula las calidades "mágicas" de los viejos casetes C90. Excelente adminiculo para generar ruidos y texturas.
• DS10 Drum Synths Colección de compactos dispositivos para generar sonidos de percusión a partir de síntesis. Estos nueve dispositivos están incluidos en Live 10.
• Color limiter Gran efecto desarrollado por Amazing Noises. Le da una saturación extrema a cualquier sonido inspirada en compresores de hardware. Está disponible en el pack Creative Extensions.

Las grabaciones de campo pueden convertirse en instrumentos. La grabación del sonido del mar, de una tormenta, los sonidos de la lluvia o los ruidos de la ciudad son texturas sonoras que evolucionan continuamente y se pueden procesar como si fueran instrumentos musicales.

En el track Maxent usé varias de estas grabaciones de campo. En el intro y el break se pueden escuchar.

Se pueden volver efectos de sonido y cortar con un Simpler. Poner en reversa y cortar en arrangement. Transformar y darles dimensión con reverbs y delays. Modificar dentro de granulator. Pueden filtrarse hasta que parezcan ruido blanco. Las posibilidades son infinitas.

He estado ensayando con Ableton Link. Esta tecnología desarrollada por Ableton funciona. Solo es necesario que los computadores (o dispositivos) estén conectados a la misma red Wi-Fi. Link se encarga de sincronizar el tempo de los sets o las aplicaciones compatibles.

En Live, es necesario mostrar el botón “Link” (Preferencias > Link > Mostrar conmutador Link) y activarlo en la barra de control.

Con Link, no hay “maestro” o “esclavo”. Cualquiera que esté conectado a la sesión puede cambiar el tempo del proyecto y entrar o salir del jam en cualquier momento.

Atrás quedaron los días en los que para sincronizar dos (o más) Live Sets era necesario conjurar complicados ruteos análogo-digitales. Ableton Link es una tecnología transparente. Soluciona un problema de forma elegante y hace que tocar en vivo e improvisar sea fácil y divertido.

Al final del evento "Loop" Ableton presentó la nueva versión de Push. Se ve increíble.

Han reconsiderado varios elementos del diseño y construcción de Push. Dicen que los pads son más suaves y tienen un mejor feel. Cambiaron la distribución de los botones de control, que ahora tienen un perfil más bajo y al parecer un click más suave. Una mejora necesaria, pues en el Push original los botones me han parecido duros. Y ahora el controlador es un poco más delgado y pesa menos.

Ahora Push es un sampler avanzado, rápido e intuitivo. Tiene un nuevo flujo de sampling, gracias a un rediseñado Simpler. Se pueden interpretar samples cambiando de pitch y manteniendo el tempo. También se pueden cortar muestras y loops automáticamente (o manualmente) para interpretar los fragmentos con los pads. Antes, esto requería un proceso engorroso que resultaba en un nuevo track con un Drum Rack lleno de slices. Ahora todo ocurre dentro de Simpler. Un hitazo.

Lo que sí he notado en las fotos, es que ahora la superficie de aluminio es de un color diferente a los botones. En el primer Push, los botones son de un color idéntico a la superficie. Lo que generaba el gran efecto de volver invisibles los botones que no se iluminaban cuando su función no estaba disponible en determinado momento. Me hace falta ver el Push 2 en persona, pero en las fotos del review de Peter Kirn, la superficie se ve negra y los botones un poco grises.

Por lo que he visto, lo que más me ha gustado es la pantalla RGB de alta resolución, que ahora muestra los parámetros con más claridad y lo mejor: las ondas de los samples. Buenísimo, para presentaciones en vivo, donde el portátil puede salir finalmente del camino.

Ahora este controlador está construido totalmente por Ableton, sin la colaboración de Akai. Una decisión acertada. Ahora Ableton tiene todo el control sobre el diseño y construcción de su propio software y hardware.

Push 2 es un controlador Premium. No es barato. Pero vale la pena. Es el hardware ideal para hacer que el estudio de grabación se vuelva un instrumento de producción musical intuitivo. Reduce la fricción y facilita plasmar las ideas musicales en sonidos. Y en esta segunda versión, Ableton ha llevado más allá ese concepto.

Estos son los atajos de teclado que más estoy usando últimamente:

• CMD + Option + B: Abrir y cerrar el navegador con esta combinación de teclas es mucho más rápido que con el mouse. (Desde Push se puede abrir rápido, pero el botón no vuelve a cerrar el navegador, el atajo si.)
• Shift + Tab: Este lo uso sin parar (ademas de Tab, claro). Uno tiene que cambiar constantemente entre la Vista de Dispositivo y la de Clip. Esta es la forma más rápida.
• CMD + J: Consolida los clips seleccionados. Muy útil.
• CMD + Shift + U: Muestra las preferencias de cuantización. Ideal para amarrar un poco la interpretación, pero conservar el groove.
• B: Activa el lápiz.
• Q: Activa el modo hot swap, gran invento para audicionar diferentes presets de instrumentos o efectos.
• 0: Silencia las notas MIDI seleccionadas. Buenísimo para poder escuchar variaciones sin borrar las notas.
• CMD + Shift + I: Crear nueva escena con los clips que están sonando. Esta función es una maravilla. Una de las mejores cosas de Ableton: improvisar con clips y luego capturar la combinación en una nueva escena, para lanzarla después.

Aquí viven todos los shortcuts de Live.

Para empezar a hacer música cuando quiero sin tener que perder tiempo decidiendo qué tracks crear, qué dispositivos usar o qué ruteos hacer, he creado mi propia plantilla de producción musical.

Este Live set se abre por defecto (Preferencias > File Folder) e incluye una selección de tracks, dispositivos y efectos que me gustan. Antes había hecho una plantilla específica para producir techno. Pero me di cuenta que en vez de liberarme, no me dejaba componer otros géneros tan fácilmente. Entonces le hice algunas modificaciones y ahora el set es muy versátil.

En este momento la plantilla tiene 8 tracks y 3 retornos. Uso la skin Default y el zoom ajustado a 100%. Estoy produciendo en 44.1 kHz/24 bit (Por alguna razón me bajé de 48 kHz a 44.100).

Esta es la lista de tracks y sus cadenas de efectos:

• Drums: Este track tiene un drum rack que arranca con samples de una Roland 606. Pero que cambio dependiendo de mi estado de ánimo. Después inserté Lowpass y un Highpass filter.
• 808: Aquí entra mi drum machine por un drum rack que tiene un External Instrument en cada Pad. Sonido analógico. Secuenciación con Push.
• Bass: En este track entra el Minitaur por un External Instrument. Después esta mi Channel Strip.
• Chords: Por estos días, en este track tengo el excelente August Synthesizer de Katsuhiro Chiba. Suena muy bien. Y después del Channel Strip, tengo un Glue listo para el clásico sidechain.
• Lead: Aquí empiezo con un Operator, pero después de componer, puedo pasarme a algún VST o instrumento Max for Live.
• Pad: Aquí suena otro Operator. Seguido del Channel Strip y un Glue Compressor.
• Sampler: En este track tengo insertado un Simpler. (En el futuro debería ser un Sampler ;) listo para recibir cualquier tipo de muestra (Usualmente samples de algún sintetizador ochentero).
• Extra: Un track de audio vacío no cae mal.

Adicionalmente a esta plantilla de producción musical tengo otras plantillas para labores específicas como grabar locuciones, hacer vídeos, grabar podcasts y para sesiones de mastering.

Para agilizar el proceso de mezcla en Live, se puede crear un channel strip que agrupe los procesos dinámicos y efectos que se utilizan con más frecuencia dentro de un Audio Effect Rack. En casi todos los tracks de mi set de producción tengo insertado un rack con la siguiente cadena de dispositivos:

• Compresor: Es útil tener un compresor a solo un click de distancia, para activarlo cuando sea necesario dominar el rango dinámico de algún instrumento. Empiezo con un ratio 4:1.
• Saturator: Este device le da el color que a veces le falta a los sintes virtuales. Lo uso en sinoid fold. Con solo activarlo resalta instantáneamente el instrumento en la mezcla.
• EQ Eight: Obligatorio. La herramienta principal para destacar el sonido de cada instrumento. El filtro 1 lo tengo modo low cut (48dB/octava), perfecto para eliminar el lodo.

Adicionalmente a estas herramientas, algunos tracks también tienen otros dispositivos:

• De-esser: Nadie quiere perforarse los oídos con esos molestos shhhhsss que viven entre 3 y 5kHz. En el canal que uso para grabar voces, siempre esta listo un de-esser en la cadena.
• Utility: Pequeño y útil aparato para hacer ajustes rápidos de ganancia y fase.
• Highpass / Lopass: A veces solo es necesario eliminar frecuencias bajas o atenuar brillos. Para eso tengo estos filtros a la mano.

Por defecto estos dispositivos aparecen apagados cuando creo un nuevo proyecto. Solamente los activo cuando los quiero usar, así no consumen recursos innecesarios de CPU. Y para poder hacer ajustes rápidos desde los knobs de Push tengo asignados ciertos parámetros clave como el threshold y el ratio del compresor, a los controles macro del channel strip.

En uno de los capítulos que están disponibles gratis del libro Making Music, me llamó la atención la idea del Timeboxing. Dennis DeSantis propone agendar en un calendario bloques de trabajo muy específicos. Y enfocarse en esa labor únicamente durante ese tiempo.

Timeboxing specific tasks serves two purposes: It forces you to narrow your focus while simultaneously eliminating the risk of non-musical distractions

Muchas veces nos sentamos a componer una nueva canción y terminamos diseñando sonidos o jugando con efectos eternamente. El problema es que después de dos horas ¡no hemos compuesto absolutamente nada! El Timeboxing suena ideal para avanzar y aprovechar mejor el tiempo limitado que tenemos para hacer música. Podemos crear diferentes bloques de tiempo en el calendario:

• Diseño sonoro: Es el momento de crear sonidos nuevos. De jugar con sintetizadores, explorar nuevas técnicas y crear presets y devices para usar en próximas canciones.
• Composición: Tiempo de experimentar con ritmos, acordes y melodías en la vista de sesión. Crear nuevos clips. Sin preocuparnos por grabar o organizar una estructura en el arrangement. Eso viene después…
• Estructura: Bloque para estructurar canciones. Concentrarnos en grabar clips en el arrangement, organizarlos y ajustar automatizaciones. Parte compleja.
• Mezcla: Como su nombre lo dice. La hora de mezclar. De hacer ajustes de balance, panorama, EQs, FXs y compresión. Este bloque también es para masterizar tracks pendientes.
• Mantenimiento: Tiempo dedicado exclusivamente al mantenimiento de Live. Se puede usar para actualizar la plantilla de producción, agregar nuevos packs, borrar packs que no se usan e instalar nuevas herramientas.

Making Music de Dennis DeSantis está lleno de buenas ideas sobre producción musical. Vale la pena leerlo.

Han pasado tres meses y unos días desde que estoy usando Ableton Push en mi control room. La integración de este controlador con Live es profunda. Hacer música se vuelve un proceso rápido, intuitivo y lo más importante: divertido. Push es mucho más que un controlador. Es un instrumento expresivo y la herramienta ideal para producir música con Ableton Live.

Push se ve minimalista y su factura es impecable. El controlador es pesado. No es de plástico barato. Se siente fuerte y sólido. Es evidente que todas las decisiones de diseño han sido pensadas profundamente. Los pads son duros, pero a la vez muy sensibles a la presión. Al interpretar melodías en estos pads me di cuenta de la alta expresividad que ofrece este instrumento.

Los botones tienen cierta resistencia al oprimirlos, pero no es molesta. Cada botón muestra el nombre de su función con leds de diferente color. Si la función no está disponible, el botón no se ilumina. Esta decisión de diseño, es una de las más elegantes. Push no muestra lo que no es necesario ver. (Como una buena UI). Los encoders son una delicia para manipular. Ofrecen Un poco más de resistencia que los encoders de la APC40. La ubicación de la pantalla está bien pensada. Los encoders no la obstaculizan. Ofrece feedback de forma clara.

Los encoders de Push son muy versátiles. En la parte superior hay 9 encoders cuya función cambia. Se puede ajustar el volumen de los tracks, los paneos y envíos, los parámetros de los devices, la longitud del loop del clip, e incluso, se puede navegar el browser de Live para añadir tracks, sonidos o efectos.

Estas perillas son sensibles al tacto. Con solo tocarlas el display cambia y muestra información relevante. También hay un encoder dedicado para control del master, otro para ajustar el tempo y otro para añadir swing.

Antes de comprarlo pensé que la falta de faders iba a ser un problema. Estaba equivocado. Los faders no me han hecho falta. Con los encoders se puede controlar el volumen de cada track y grabar automatizaciones. La ventaja: nunca hay que ajustar faders físicos para que correspondan con los faders de la sesión.

La touch strip para pitch bend es una decisión acertada. Las ruedas de pitch bend plásticas y mecánicas tienden a fallar. Y no hay nada más desesperante que una rueda de pitch bend dañada que insiste en desafinar todo lo que encuentra en su camino.

Push tiene dos modos principales: Note y Session. En session mode, cada pad iluminado corresponde a cada clip en la vista de session de Live. En este modo, Push se comporta como un clip launcher clásico. Como el Novation Launchpad o el Akai APC40. Cada pad se ilumina de un color similar al del clip, lo que hace muy fácil y claro navegar la sesión. En el modo “Note”, Push se vuelve una herramienta para producir música sin usar el mouse e incluso sin mirar la pantalla.

Cuando se selecciona un track con un Drum Rack, Push se transforma en un avanzado secuenciador de percusión. Los 16 pads de la esquina inferior izquierda reflejan los samples que tiene cargado el Drum Rack. La sensibilidad de los pads es excelente para grabar ritmos en tiempo real. Las 4 filas superiores de pads se vuelven un step-sequencer fácil de usar y muy flexible. Por defecto, cada pad del step-sequencer corresponde a una semicorchea, pero eso se puede cambiar con los botones Scene/Grid.

Cuando el track seleccionado contiene un sintetizador o un sampler, los pads de Push cambian de color y se vuelven una rejilla de interpretación melódica. Heredera del concepto implementado en el Monome, esta interface me ha abierto las puertas a nuevas ideas, nuevas melodías e incluso a nuevas formas de hacer música.

Cuando se oprime por segunda vez el botón “Note”, Push se vuelve un step-sequencer melódico polifónico. Así es. Es posible secuenciar paso por paso melodías monofónicas o incluso acordes. Hace un tiempo estaba obsesionado con comprar un Monome, principalmente para poder usar Plane, el secuenciador melódico desarrollado por Stretta. Push me ofrece esa función y mucho más.

Me falta usar Push por más tiempo para descubrir todo su potencial. Tengo que practicar más seguido con esta herramienta y desarrollar una memoria muscular que elimine la fricción de perder tiempo buscando un botón específico. Hacer música con esta máquina puede volverse tan intuitivo como escribir en un teclado.

Ahora Push es el centro de mi control room. Ha desplazado a mi viejo controlador APC40, e incluso al Axiom, que últimamente solo recolectaba polvo. Definitivamente la gente de Ableton ha creado el complemento perfecto para crear música electrónica con Live.

Existen varias técnicas para samplear en Ableton Live. La que yo utilizo la realizo completamente en la vista de sesión.

Para samplear discos tengo en mi proyecto de Live un track de audio donde entra mi tornamesa. Aunque la mayoría de tocadiscos usualmente tienen salida phono (para estos casos es necesario un convertidor phono line) mi tornamesa Stanton T.80 también cuenta con salida line. En ese track grabo en el primer clip. Sigo escuchando discos y cuando encuentro algo interesante lo grabo en los demás clips.

Después escojo los fragmentos de cada clip que quiero volver samples. Para recortarlos hago zoom y desactivo la rejilla para que sea más fácil seleccionar el principio y el final. Y activo el loop de la selección con CMD+L. Después hago click derecho en la mitad inferior del clip para recortar la muestra.

Ya con mi sample listo, apago la función warp y hago click en el nombre del archivo. Así Live me muestra su ubicación donde lo puedo renombrar con CMD+R. Desde ahí arrastro el archivo a la carpeta donde guardo el sample. Nombro las carpetas según el tipo de samples que tienen ej: Funk Vinyl, Soul Vinyl, Pianos, etc. No normalizo mis samples, porque cuando los uso en diferentes proyectos les puedo ajustar la ganancia independientemente desde el drum rack. Muchas veces no es necesario.

Este es un proceso fácil y rápido de hacer. Y al final resulto con samples únicos con textura listos para usar en mis producciones musicales.

Esta es la historia de mi control room. Un control room evoluciona: va cambiando con el paso del tiempo y se va adaptando a las necesidades del productor musical.

Todo empezó como un estudio de grabación donde principalmente grababa bandas de rock. Al principio no tenía una interfaz con varias entradas; todo lo grababa con una Mbox. Me hacían falta micrófonos especializados, como un kit para baterías o buenos micrófonos para guitarras. Casi todo lo grababa con algunos Shure SM58.

Hacía una premezcla estéreo en una consola analógica Yamaha, que después entraba por la Mbox a Pro Tools. Usualmente grababa primero la parte instrumental y después las voces y los arreglos adicionales, como punteos o teclados. Este método era limitado. Necesitaba más de dos entradas simultáneas, por lo menos ocho. También necesitaba mejores micrófonos. Con el tiempo fui consiguiendo más equipos para poder hacer grabaciones multitrack.

La primera compra fue un par de monitores: unos Behringer Truth. Incluso fue necesario construir una mesa más grande, con más espacio. Después llegó la Digidesign 003 Factory, una interfaz más completa, con 4 preamps, control surface y entradas ADAT. Luego agregué un preamp PreSonus DigiMax D8. En total ya contaba con 16 entradas independientes, ideales para grabar bandas en bloque. Además, ya tenía un kit de micrófonos Shure para grabar baterías. Con estos equipos el estudio funcionó durante aproximadamente cinco años, en los que grabé muchas bandas de diferentes géneros y aprendí técnicas de grabación, edición y mezcla.

En la época de la Digidesign 003 producía mis tracks electrónicos en Reason. ¡A punta de mouse! Ahora que lo pienso, es increíble que no perdiera la paciencia haciendo música solo con un mouse. Después conseguí el controlador MIDI M-Audio Axiom 25, que cambió mi forma de secuenciar bajos y synths. Podía crear basslines más funky y grabar mis interpretaciones directo a Reason, aunque con la mala costumbre de cuantizar todo (¡elimina todo el groove!). Más adelante agregué los Korg nanoKONTROL y nanoPAD para tener más knobs y control: pequeños, buenos y baratos. Con esta configuración hice mi primer EP, con el que empecé a explorar un sonido más techno.

Ya no era necesario usar Pro Tools. Podía usar un DAW más moderno e innovador, que me facilitara grabar jams, interpretaciones en tiempo real e ideas de una forma más rápida y fácil.

Ableton Live. Este programa cambió totalmente mi forma de hacer música. Ahora es un proceso más divertido, natural e intuitivo. Es un DAW que estimula la creatividad y la experimentación, ideal para producir techno. Creo que Pro Tools es para ingenieros dedicados a la grabación y la mezcla tradicional, aunque sigue siendo el mejor programa para editar audio; de eso no hay duda.

Para controlar Live sin el mouse compré el controlador Akai APC40, que es la pieza central del estudio. Es perfecto para lanzar clips de audio y manipular los efectos en los envíos de Live. Y para grabar patrones de percusión de forma manual a través del Drum Rack de Live, conseguí el Korg padKONTROL. Con estos equipos hice Expansion, un EP en el que exploré un sonido acid inspirado en los primeros trabajos de Plastikman.

Mi interés por la música electrónica fue creciendo cada vez más, hasta el punto de que vi necesario tener mis propios sintetizadores y drum machines. Primero compré el Moog Minitaur, un monstruo para hacer líneas de bajo, con muchas perillas para manipular el sonido y el clásico filtro Moog. Después encargué el sintetizador Acidlab Bassline (réplica de la Roland 303) y la drum machine Acidlab Miami (réplica de la Roland 808).

Con estos sintetizadores puedo hacer música electrónica, grabar jams directo a Live y obtener un sonido cálido. Con estas máquinas grabé mi EP más reciente.